摘要：媒介，是通过负载、传播信息，使人、事物之间产生联系。摄影与绘画作为媒介传播的两种形式，向人们传达着各种情感思想，进行着态度的抒发。本文将通过研究摄影诞生以来与绘画之间密不可分的关系，来阐释摄影和绘画之间互动所带来的共同发展。
19世纪的欧洲画坛处在一个辉煌的时期，先后经历了新古典主义、浪漫主义、现实主义和象征主义几个时期。自达芬奇之后，画家严格遵循焦点透视、明暗投影等光学效果，使画面呈现出一种立体真实的效果，绘画似乎变得无可替代。
而30、40年代的写实绘画惟妙惟肖，达到了逼真的效果。它使得瞬间场景定格并为人们欣赏，具有极高的艺术价值，同时，它所反映的社会现实也值得人们深思。如米勒的《拾穗者》描绘了三个正在弯腰拾穗的农村妇女形象。罗曼•罗兰曾评说“米勒画中的三个农妇是法国的三个女神”，有力地指出了写实绘画对当时社会的影响。写实绘画通过对社会生活场景的再现，准确传达所要表达的思想主题，激起了人们的革命热情。
然而，每幅画的创作都需要耗费画家极大的心血：首先是对现实场景的构思，图画背景与人物之间的组合，再加上比例分析、色彩搭配，都是非常繁杂的工序。随着社会的发展，人们开始寻求一种能够迅速记录生活场景的工具。
1839年，当法国学术院向全世界公布摄影术的诞生后，摄影以其迅速逼真捕捉形象的能力使画家感受到了前所未有的压力。摄影作为科技发明的一种，只需要在极短的时间内便能将想要的场景拍摄下来，可以准确记录下事物的形象和瞬间的真实，而不再需要长时间在架上绘画来表现。摄影的风靡给绘画造成了极大的冲击，画像的真实性被摄影照片所取代，任何绘画都不可能做到如摄影照片般逼真。
两种媒介功能重叠，弱者必然会渐遭冷落。单纯靠绘画谋生越来越不切实际，无论当时一些画家如何反对摄影术，随着摄影术的发展和完善，其优越性是无法忽视的。绘画想要继续生存，就必须促进自身的改革，避免苛刻的写实。
然而，如何才能突破传统绘画的制约，找到新的突破点呢？试想摄影术的发明也不是凭空而来的，它是借鉴了绘画的形式，实现了现实场景的瞬间再现。而新媒介的产生不可避免地会带有一定的局限性。1861年诞生的彩色照片，在清洗过程中色彩会流失。这给了画家启迪，他们转而追求色彩的不平衡。印象派画家开始重视光线和空气对色彩的影响，忠实于表现瞬间场景带来的真实感受，绘画开始由具象转向抽象，由再现变为表现。
莫奈的《日出•印象》就是在色彩上对摄影术打响了“第一枪”。
《日出•印象》的笔触非常随意、零乱，透过色彩，我们可以辨别出这是一幅海景图。一轮生机勃勃的红日，在海中映成一缕橙黄色的波光，海港周围的景物都在晨曦中变得模糊，没有明确的轮廓，从而消除了绘画的呆板，以多变灵动的色彩带动人们的视觉，从而产生诗一般的意境。莫奈对光色的关注远远超过了对物体本身的重视，他通过色彩使物体消失于光色之中，将色彩涂抹开来，在朦胧中感受自然的美与力量，更具有感染性。艺术形象在区别客观事物的同时，也以近乎抽象的形式表达了画家的内心情感，展现了艺术家的主观感受。另一方面，在透视层面，早期的摄影与绘画非常接近，都采用了固定的焦点透视。为了摆脱摄影的束缚，绘画开始尝试多方位、多角度的透视效果，营造一种非常规的视觉语言，给人一种新的视觉冲击。如后印象派画家塞尚的《静物》，塞尚似乎想要把他可以看到的东西极尽所能表现出来，多角度，多透视，多视点，融合在同一个平面的空间之中。同时，后印象主义绘画启迪了两大现代主义艺术潮流，即强